Très belle exposition qui présente la collection qu’Azzedine Alaïa a débutée en 1968 à la fermeture de la maison Balenciaga. En acquérant des créations de haute couture, il étudie la coupe des modèles de ses prédécesseurs. Il commence ainsi une collection de plus de 20 000 pièces allant de la naissance de la haute couture jusqu’à ses contemporains. Cette collection est restée secrète de son vivant.

Alaïa a également réuni un ensemble de modèles provenant de créateurs américains qui sont peu représentés dans l’histoire de la mode : Mc Cardell et Adrian notamment. C’est une originalité par rapport aux expositions de mode parisiennes habituelles.

Jusqu’au 21 janvier 2024

https://www.palaisgalliera.paris.fr/

L’article Azzedine Alaïa, couturier collectionneur est apparu en premier sur Marion de Castilla.

Voici une exposition dynamique et instructive. Avec l’évolution des vêtements dédiés à la pratique de l’activité physique, nous découvrons les prémices et l’avènement des disciplines sportives sur plusieurs siècles : les différentes activités de plein air et l’arrivée des premiers jeux olympiques, puis le glissement d’une tenue spécifique pour le sport vers un ‘sportswear everywere’… présent jusque dans les défilés Haute Couture.

Il est surprenant de découvrir des ‘corsets de sport’ qui proposent une structure plus ergonomique et souple pour la pratique des activités physiques, tout en conservant leur fonction de gainage. Les tenues de tennis pour femme du XIX° siècle semblent elles aussi assez peu adaptées au mouvement avec leurs multiples jupons et volants en chaîne et trame.

La mixité et la représentation des femmes dans les différentes disciplines au cour des siècles est très appréciable.

Enfin, coup de cœur pour la série de maillots pour les bains de mer : tricotés dans des jerseys de laine épais, ils sont plus ou moins couvrant au fil du temps.

Jusqu’au 7 avril 2024

https://madparis.fr/

L’article Mode et sport, d’un podium à l’autre – Musée des Arts Décoratifs est apparu en premier sur Marion de Castilla.

Après avoir présenté une rencontre entre les œuvres de Balenciaga et Alaïa, la Fondation Azzedine Alaïa met en lumière le travail du couturier face à celui de Madame Grès. Ces deux couturiers sculpteurs de tissus sont des virtuoses dans la création des volumes.

Azzedine Alaïa et Mme Grès avaient en commun notamment le travail du biais et la création de plissés. En utilisant ces techniques pour réaliser les volumes des modèles, ils réalisent des plissés et motifs qui sont intimement liés à la structure du vêtement. Les constructions savantes amènent à des silhouettes d’une sobriété apparente mais qui présentent de magnifiques effets de mouvement.

La soixantaine de modèles de Mme Grès présentés dans cette exposition font partie de la collection d’Azzedine Alaïa rassemblant plus de 20 000 pièces de ses prédécesseurs couturiers. En parallèle une exposition consacrée à la collection d’Azzedine Alaïa est présentée au Palais Galliera.

Jusqu’au 11 février 2024

https://fondationazzedinealaia.org

L’article Alaïa / Grès. Au delà de la mode – Fondation Azzedine Alaïa est apparu en premier sur Marion de Castilla.

La direction artistique d’une marque est l’orientation esthétique que son fondateur souhaite prendre. Elle regroupe l’ensemble des choix qui concernent le goût, les valeurs et l’atmosphère qui rendent un projet unique. Cette recette subtile et personnelle guide le design des produits, la communication et les étapes créatives qui jalonnent le développement d’un projet.

Une création de marque démarre en général avec une idée inédite qui est un moteur pour se lancer. Une fois le projet entamé, il est fréquent de se rendre compte qu’il existe de nombreux domaines où l’on doit prendre des décisions et faire appel à son esprit créatif et son appréciation. Être un bon directeur artistique n’est pas évident car cela requiert d’être ouvert à de multiples possibilités et de prendre des décisions rapides et régulières.

Seulement une affaire d’esthétique ?

On imagine souvent que ce domaine est strictement personnel et subjectif, relié à l’intuition. Pourtant en travaillant l’orientation artistique de sa marque, il ne s’agit pas de discuter les goûts et les couleurs, de les critiquer ou de les modifier. On cherche plutôt à enrichir celle-ci. La créativité et le goût peuvent s’étirer, s’affiner, se diversifier. Tout comme on éduque le palais aux saveurs des aliments, on peut travailler sur l’orientation artistique de son projet.

En quoi cela diffère-t-il d’une étude marketing, d’un besoin client ou d’une analyse de tendance ? Le principe est de s’inspirer et de regarder autour avec curiosité ; mais ensuite de revenir à soi, à ses idées et à son intuition, aux fondements de sa marque en y associant de la méthodologie. Cela permet ainsi de rester autonome dans ses prises de décisions et de rester original dans sa vision.

Des méthodes pour mieux travailler avec les partenaires

Lorsque l’on n’est pas exercé à déterminer ce que l’on souhaite, il peut être difficile de le mettre en application. Ainsi faire passer un état d’esprit à un collaborateur ou un prestataire peut aussi s’avérer compliqué. En mettant en pratique avec des exercices de mises en situation, on peut acquérir plus de facilité à avoir des idées personnelles et à les communiquer. On gagne alors en autonomie et le projet devient plus original, cohérent et concret.

Le milieu de la mode est très compétitif. Avoir des fondations solides pour sa marque permet de garder un cap dans son orientation artistique. Les modules proposés dans la formation que je dispense permettent de s’approprier son esthétique pour mieux la conjuguer et l’appliquer dans les domaines souhaités.

› Travailler sa direction artistique avec les prestations de formation ou de conseil

L’article Qu’est-ce que la direction artistique d’une marque ? est apparu en premier sur Marion de Castilla.

Point de départ de toute création de collection, les pages d’ambiances donnent un ton précis à l’ensemble du processus : gamme de couleur, ligne de vêtements, création d’imprimés, accessoires, axes de communication, shooting photo… Atmosphère minimaliste et délicate ou inspiration colorée et exubérante : poser sur le papier un imaginaire, des envies, des inspirations qui éveillent la créativité, aiguillent la collection et étoffent les perspectives.

La recherche d’images d’inspiration permet d’affiner les idées de coupes et de finitions ; puis sont réalisés de nombreux croquis pour mêler les inspirations, donner une identité unique au modèle, avoir une création exclusive. En parallèle, la recherche des tissus concrétise la collection ; le sourcing permet de rencontrer les fournisseurs de tissus et façonniers qui feront la production des vêtements.

Une fois les modèles déterminés, ils sont présentés sous forme d’un plan de collection pour avoir un aperçu clair de l’ensemble. Les dossiers techniques permettent de présenter les détails de chaque pièce pour les présenter aux intervenants : modéliste, bureau d’étude indépendant, façonnier…

Création et lancement de collection effectués, il reste le suivi de collection notamment avec l’essayage du premier prototype pour s’assurer du bien aller du vêtement. Après les premiers retours, plusieurs prototypes sont réalisés en toile puis dans la matière définitive. En parallèle, les essais de couleurs et motifs sont validés.

› Travailler ensemble sur la collection de vos collections

L’article Conception d’une collection est apparu en premier sur Marion de Castilla.

L’Ouzbékistan est situé au carrefour des civilisations, entre l’Inde, la Perse et la Chine. Différentes religions et pratiques ont coexisté et influencé les productions artisanales : musulmans et zoroastriens notamment. Les villes de Samarcande et Boukhara sont ainsi sur le parcours des légendaires “Routes de la soie”.

La géographie du pays a influencé la production des matières premières utilisées dans l’artisanat textile. Les oasis sont des espaces de culture du coton et de la soie. Les steppes et les régions montagneuses fournissent une abondance de produits lainiers. Ainsi se sont développés l’art du tissage, du feutrage et de la broderie d’or d’une très haute technicité.

Les pièces textiles présentées dans cette exposition datent principalement des XIX° et XX° siècles. Les techniques de broderies sont très présentes sur les chapans (manteaux pour les hommes) et les calottes (chapeaux), mais aussi sur les vêtements féminins, les tapis appelés ‘suzanis’, les équipements pour les chevaux ou les vêtements d’enfant.

Jusqu’au 4 juin 2023

www.imarabe.org

L’article Sur les routes de Samarcande. Merveilles de soie et d’or – Institut du monde arabe est apparu en premier sur Marion de Castilla.

Le terme ‘Black Indians’ représente les populations d’esclaves originaires d’Afrique et installées à La Nouvelle Orléans. Elles ont été soutenues par les Amérindiens, eux-aussi traités en esclaves. Au XVIII° siècle, ces deux communautés se rassemblaient et partageaient leurs cultures en danse et en musique.

Au XIX° siècle, les Africains Américains décidèrent de créer et porter des costumes pour le défilé de Mardi Gras en témoignage des liens qui les unissent aux Amérindiens. Ils valorisèrent ainsi des motifs et des techniques amérindiennes : broderie de perles, usages de plumes, symbole de bison…

La création de ces costumes grandioses est un acte de résilience face à la violence de l’esclavage subie durant plusieurs siècles et aux séquelles actuelles du racisme. Aujourd’hui encore les costumes retranscrivent à la fois un lien avec les origines africaines, les cultures amérindiennes et la culture vaudoue.

Jusqu’au 15 janvier 2023

https://m.quaibranly.fr

L’article Black Indians de La Nouvelle-Orléans – Musée du Quai Branly est apparu en premier sur Marion de Castilla.

L’ouverture de la Galerie Dior nous permet de découvrir le lieu où débuta l’aventure de la Maison Dior, avenue Montaigne au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. Alors que les restrictions de matières premières sont dues au rationnement de l’après-guerre, Christian Dior arrive avec des modèles structurés et généreux en métrages de tissus. La taille marquée, les épaules arrondies et les hanches renforcées, la silhouette Dior est rapidement dessinée pour les décennies à suivre. Son audace est récompensée par un succès immédiat et lui vaut l’appellation célèbre de ‘New Look’.

Les inspirations de Christian Dior sont très liées à son enfance et à sa vie de famille. Ses attaches sont à Granville et dans le sud-est de la France où il apprend beaucoup sur la botanique et les variétés de fleurs. Avant de créer sa maison, il ouvre une galerie d’art à Paris où il présente des œuvres d’artistes contemporains ; il entretient alors des liens forts avec le milieu artistique des années 30. Christian Dior se forme ensuite au métier de modéliste et exerce notamment chez Robert Piguet puis Lucien Lelong pendant la guerre.

Pendant dix ans, son travail est intense en créativité mais aussi en tant qu’homme d’affaires. Il développe rapidement le commerce international, si bien que la Maison Dior devient dans les années 50 le second exportateur français. Christian Dior décède prématurément, laissant des lignes claires et un ADN qui sera repris par les couturiers dans les décennies suivantes.

L’atmosphère Dior est retravaillée successivement par Yves Saint-Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John galliano, Raf Simons et Maria Grazia Chiuri. L’exposition met l’accent sur le parallèle entre le travail du couturier et de ses successeurs. Les collections sont présentées dans un ensemble d’une seule maison, autour des thématiques qui lui sont chères : les fleurs principalement, le travail de la coupe inspiré du New-look, l’allure Dior et l’ambiance colorée.

Exposition permanente

https://www.galeriedior.com

L’article La Galerie Dior est apparu en premier sur Marion de Castilla.

L’univers d’Elsa Schiaparelli est ici retranscrit dans toute sa créativité et son originalité. La créatrice a développé une identité très personnelle inspirée fortement du monde symbolique et onirique. La mythologie, l’Antiquité italienne, la nature et la musique sont ses sources d’inspiration.

Ces thématiques deviennent des motifs pour des bijoux, boutons, imprimés et broderies qui prennent place sur les vêtements de ses collections. Le mystère et le rêve frôlent l’absurde et l’étrange ; ils se mêlent à des couleurs vives et des motifs enjoués.

Elsa Schiaparelli entretient des liens très forts avec les artistes contemporains du mouvement surréalistes. Au-delà de l’amitié, ce sont de véritables collaborations artistiques qui émergent : Meret Oppenheim dessine pour elle un bracelet en fourrure, qui inspirera plus tard l’œuvre de la fameuse tasse de thé. Elle développe des broderies sur des dessins de Jean Cocteau, des imprimés imaginés avec Salvador Dali… faisant ainsi preuve d’une grande liberté de création et d’avant-gardisme.

Créée en 1927, la Maison Schiaparelli est fermée entre 1954 et 2012. En 2019, Daniel Roseberry reprend la direction artistique des collections. Ses créations sont présentées tout au long de l’exposition en écho à celles de la couturière dont elles se sont inspirées.

Jusqu’au 22 janvier 2023

https://madparis.fr/

L’article Shocking ! Les mondes surréalistes d’Elsa Schiaparelli – Musée des Arts décoratifs est apparu en premier sur Marion de Castilla.

À la suite des débuts du prêt-à-porter dans les années 50, les enseignes Prisunic sont inspirées par des méthodes de marketing américaines. Elles se lancent alors le défi de commercialiser des collections d’objets et de vêtements dans l’univers de la grande distribution. Les vêtements sont proposés dans les rangées parallèles aux fruits et légumes. “Le beau au prix du laid” devient le slogan officiel des années 60.

La pop culture, les motifs des années 60 et 70 et les coloramas vifs sont à portée de caddie. Au long des décennies suivantes, et notamment après la fusion avec Monoprix dans les années 90, les collaborations sont créées avec des designers contemporains : Terence Conran, Marc Held, India Mahdavi, Constance Guisset ou Ionna Vautrin et stylistes comme Anne-Valérie Hash, Hussein Chalayan ou Maison Château Rouge.

La démarche de démocratisation de la mode et du style, rendant plus proche les consommateurs de l’univers des créateurs, trouve dans les années 2000 un écho avec le développement des marques de fast-fashion. Pionniers dans cette démarche, ils conservent aujourd’hui la dynamique des collaborations avec les créateurs.

Jusqu’au 15 mai 2022

https://madparis.fr/

L’article Le design pour tous – De Prisunic à Monoprix, une aventure française – Musée des Arts décoratifs est apparu en premier sur Marion de Castilla.