Très belle exposition qui présente la collection qu’Azzedine Alaïa a débutée en 1968 à la fermeture de la maison Balenciaga. En acquérant des créations de haute couture, il étudie la coupe des modèles de ses prédécesseurs. Il commence ainsi une collection de plus de 20 000 pièces allant de la naissance de la haute couture jusqu’à ses contemporains. Cette collection est restée secrète de son vivant.

Alaïa a également réuni un ensemble de modèles provenant de créateurs américains qui sont peu représentés dans l’histoire de la mode : Mc Cardell et Adrian notamment. C’est une originalité par rapport aux expositions de mode parisiennes habituelles.

Jusqu’au 21 janvier 2024

https://www.palaisgalliera.paris.fr/

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Voici une exposition dynamique et instructive. Avec l’évolution des vêtements dédiés à la pratique de l’activité physique, nous découvrons les prémices et l’avènement des disciplines sportives sur plusieurs siècles : les différentes activités de plein air et l’arrivée des premiers jeux olympiques, puis le glissement d’une tenue spécifique pour le sport vers un ‘sportswear everywere’… présent jusque dans les défilés Haute Couture.

Il est surprenant de découvrir des ‘corsets de sport’ qui proposent une structure plus ergonomique et souple pour la pratique des activités physiques, tout en conservant leur fonction de gainage. Les tenues de tennis pour femme du XIX° siècle semblent elles aussi assez peu adaptées au mouvement avec leurs multiples jupons et volants en chaîne et trame.

La mixité et la représentation des femmes dans les différentes disciplines au cour des siècles est très appréciable.

Enfin, coup de cœur pour la série de maillots pour les bains de mer : tricotés dans des jerseys de laine épais, ils sont plus ou moins couvrant au fil du temps.

Jusqu’au 7 avril 2024

https://madparis.fr/

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Après avoir présenté une rencontre entre les œuvres de Balenciaga et Alaïa, la Fondation Azzedine Alaïa met en lumière le travail du couturier face à celui de Madame Grès. Ces deux couturiers sculpteurs de tissus sont des virtuoses dans la création des volumes.

Azzedine Alaïa et Mme Grès avaient en commun notamment le travail du biais et la création de plissés. En utilisant ces techniques pour réaliser les volumes des modèles, ils réalisent des plissés et motifs qui sont intimement liés à la structure du vêtement. Les constructions savantes amènent à des silhouettes d’une sobriété apparente mais qui présentent de magnifiques effets de mouvement.

La soixantaine de modèles de Mme Grès présentés dans cette exposition font partie de la collection d’Azzedine Alaïa rassemblant plus de 20 000 pièces de ses prédécesseurs couturiers. En parallèle une exposition consacrée à la collection d’Azzedine Alaïa est présentée au Palais Galliera.

Jusqu’au 11 février 2024

https://fondationazzedinealaia.org

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L’Ouzbékistan est situé au carrefour des civilisations, entre l’Inde, la Perse et la Chine. Différentes religions et pratiques ont coexisté et influencé les productions artisanales : musulmans et zoroastriens notamment. Les villes de Samarcande et Boukhara sont ainsi sur le parcours des légendaires “Routes de la soie”.

La géographie du pays a influencé la production des matières premières utilisées dans l’artisanat textile. Les oasis sont des espaces de culture du coton et de la soie. Les steppes et les régions montagneuses fournissent une abondance de produits lainiers. Ainsi se sont développés l’art du tissage, du feutrage et de la broderie d’or d’une très haute technicité.

Les pièces textiles présentées dans cette exposition datent principalement des XIX° et XX° siècles. Les techniques de broderies sont très présentes sur les chapans (manteaux pour les hommes) et les calottes (chapeaux), mais aussi sur les vêtements féminins, les tapis appelés ‘suzanis’, les équipements pour les chevaux ou les vêtements d’enfant.

Jusqu’au 4 juin 2023

www.imarabe.org

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Le terme ‘Black Indians’ représente les populations d’esclaves originaires d’Afrique et installées à La Nouvelle Orléans. Elles ont été soutenues par les Amérindiens, eux-aussi traités en esclaves. Au XVIII° siècle, ces deux communautés se rassemblaient et partageaient leurs cultures en danse et en musique.

Au XIX° siècle, les Africains Américains décidèrent de créer et porter des costumes pour le défilé de Mardi Gras en témoignage des liens qui les unissent aux Amérindiens. Ils valorisèrent ainsi des motifs et des techniques amérindiennes : broderie de perles, usages de plumes, symbole de bison…

La création de ces costumes grandioses est un acte de résilience face à la violence de l’esclavage subie durant plusieurs siècles et aux séquelles actuelles du racisme. Aujourd’hui encore les costumes retranscrivent à la fois un lien avec les origines africaines, les cultures amérindiennes et la culture vaudoue.

Jusqu’au 15 janvier 2023

https://m.quaibranly.fr

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L’ouverture de la Galerie Dior nous permet de découvrir le lieu où débuta l’aventure de la Maison Dior, avenue Montaigne au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. Alors que les restrictions de matières premières sont dues au rationnement de l’après-guerre, Christian Dior arrive avec des modèles structurés et généreux en métrages de tissus. La taille marquée, les épaules arrondies et les hanches renforcées, la silhouette Dior est rapidement dessinée pour les décennies à suivre. Son audace est récompensée par un succès immédiat et lui vaut l’appellation célèbre de ‘New Look’.

Les inspirations de Christian Dior sont très liées à son enfance et à sa vie de famille. Ses attaches sont à Granville et dans le sud-est de la France où il apprend beaucoup sur la botanique et les variétés de fleurs. Avant de créer sa maison, il ouvre une galerie d’art à Paris où il présente des œuvres d’artistes contemporains ; il entretient alors des liens forts avec le milieu artistique des années 30. Christian Dior se forme ensuite au métier de modéliste et exerce notamment chez Robert Piguet puis Lucien Lelong pendant la guerre.

Pendant dix ans, son travail est intense en créativité mais aussi en tant qu’homme d’affaires. Il développe rapidement le commerce international, si bien que la Maison Dior devient dans les années 50 le second exportateur français. Christian Dior décède prématurément, laissant des lignes claires et un ADN qui sera repris par les couturiers dans les décennies suivantes.

L’atmosphère Dior est retravaillée successivement par Yves Saint-Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John galliano, Raf Simons et Maria Grazia Chiuri. L’exposition met l’accent sur le parallèle entre le travail du couturier et de ses successeurs. Les collections sont présentées dans un ensemble d’une seule maison, autour des thématiques qui lui sont chères : les fleurs principalement, le travail de la coupe inspiré du New-look, l’allure Dior et l’ambiance colorée.

Exposition permanente

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L’univers d’Elsa Schiaparelli est ici retranscrit dans toute sa créativité et son originalité. La créatrice a développé une identité très personnelle inspirée fortement du monde symbolique et onirique. La mythologie, l’Antiquité italienne, la nature et la musique sont ses sources d’inspiration.

Ces thématiques deviennent des motifs pour des bijoux, boutons, imprimés et broderies qui prennent place sur les vêtements de ses collections. Le mystère et le rêve frôlent l’absurde et l’étrange ; ils se mêlent à des couleurs vives et des motifs enjoués.

Elsa Schiaparelli entretient des liens très forts avec les artistes contemporains du mouvement surréalistes. Au-delà de l’amitié, ce sont de véritables collaborations artistiques qui émergent : Meret Oppenheim dessine pour elle un bracelet en fourrure, qui inspirera plus tard l’œuvre de la fameuse tasse de thé. Elle développe des broderies sur des dessins de Jean Cocteau, des imprimés imaginés avec Salvador Dali… faisant ainsi preuve d’une grande liberté de création et d’avant-gardisme.

Créée en 1927, la Maison Schiaparelli est fermée entre 1954 et 2012. En 2019, Daniel Roseberry reprend la direction artistique des collections. Ses créations sont présentées tout au long de l’exposition en écho à celles de la couturière dont elles se sont inspirées.

Jusqu’au 22 janvier 2023

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À la suite des débuts du prêt-à-porter dans les années 50, les enseignes Prisunic sont inspirées par des méthodes de marketing américaines. Elles se lancent alors le défi de commercialiser des collections d’objets et de vêtements dans l’univers de la grande distribution. Les vêtements sont proposés dans les rangées parallèles aux fruits et légumes. “Le beau au prix du laid” devient le slogan officiel des années 60.

La pop culture, les motifs des années 60 et 70 et les coloramas vifs sont à portée de caddie. Au long des décennies suivantes, et notamment après la fusion avec Monoprix dans les années 90, les collaborations sont créées avec des designers contemporains : Terence Conran, Marc Held, India Mahdavi, Constance Guisset ou Ionna Vautrin et stylistes comme Anne-Valérie Hash, Hussein Chalayan ou Maison Château Rouge.

La démarche de démocratisation de la mode et du style, rendant plus proche les consommateurs de l’univers des créateurs, trouve dans les années 2000 un écho avec le développement des marques de fast-fashion. Pionniers dans cette démarche, ils conservent aujourd’hui la dynamique des collaborations avec les créateurs.

Jusqu’au 15 mai 2022

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Voici enfin ouverte la première galerie de mode permanente du musée de la Mode de Paris après un siècle d’attente… En 1920, la Société de l’histoire du costume, par le biais de son président Maurice Leloir, fait don de sa collection à la Ville de Paris appelant ainsi de ses vœux la création d’un musée présentant une histoire de la mode.

Ce sont près de 350 pièces provenant du XVIII° siècle à nos jours qui sont présentées : vêtements et accessoires mais aussi arts graphiques et photographies. Les collections du musée présentent un aperçu riche et varié de l’évolution de la mode au fil des époques… des robes volantes aux créateurs contemporains, des gilets d’homme brodés tout en couleurs aux crinolines apportant le volume aux robes.

Un regard croisé est apporté avec des visuels de patrons, de nombreuses photographies, mais aussi la retranscription de l’environnement commercial dans lequel étaient présentées les collections, notamment avec les marchandes de mode.

Le sujet de la conservation et de la réparation ou même de la quasi reconstitution de certaines pièces est abordé. Les vêtements et accessoires en tissu sont d’une grande fragilité ; il est nécessaire de les conserver au maximum à l’abri de la lumière. Les accrochages vont alterner pour des raisons de conservation préventive. Autant de raison de renouveler sa visite à intervalle régulier.

Jusqu’au 26 juin 2022

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La mode est aux expositions de magazines de mode. Après Harper’s Bazaar au musée des Arts décoratifs, le musée de la Mode de Paris – Palais Galliera prend le relais avec une rétrospective sur le magazine Vogue Paris.

On y retrouve, sous une autre ambiance, le défilé des époques et le lien avec les artistes contemporains. Les illustrateurs de mode d’abord auxquels succèdent les photographes de mode, chacun apportant une vision qui dépasse le cadre du vêtement seul.

La spécificité ici est que la maison mère de Vogue est aux États-Unis. Le magazine prend une place de plus en plus autonome pour affirmer son identité parisienne. On découvre ainsi de nombreuses photos qui portent un regard sur le décor de Paris : le Paris d’après-guerre, l’architecture, les lieux emblématiques, l’ambiance des années 60…

Jusqu’au 30 janvier 2022

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